• 春暖鹿鸣

　    
        这次总值，我比较系统的看了一些作者的诗歌，大部分存在的不足是：“语言繁琐拖沓，类似分行文字；语言平淡无奇，类似记录性文字；意象散，一会写东，一会又跑到了西，弄得读者在阅读时找不到北；意象乱，意象之间的过渡上没有承转好而导致了比喻夸张的指向不清，含混不清，造成诗意断层、断裂；意境不够开阔或者没有意境可言，留给读者阅读思考的空间窄小，读来干巴不能给读者带来回味和审美愉悦……等等，根据这一系列问题，特撰此文，主要谈诗歌语言的简约性和画面感。咱们网站也有很多书画家和书画作品，诗书画是一家，可以相互借鉴。希望能对歌者有所启悟。
　　我的诗歌我自己不满意，所以属于眼高手低。这篇长文不一定很精道，定有不足和疏漏以及贻笑大方之处，敬请方家海涵。但是真诚，如果对您在写诗上有点滴受益，那我就安慰了。
　　——题记
　　
　　《辞约意丰，汲古润今》
　　
　　如今的诗歌，越写越长，越写越水，弯子越绕越远，由简成繁，由含纳成铺陈，由精微成粗糙，由跨跳成爬行，由灵动成呆板，不但松散冗长，且体胖臃肿，以至散漫无羁而致乏味。
　　简约是中国诗歌最根本的语言传统，是第一要义的诗美元素，也是中国文化及一切艺术的精义所在。简约本身就具有一种特别的直击人心的亲和力。像闪电短而有力，像萤火虫微而晶莹，像小宇宙精巧而饱满。尽量以最少的字来聚敛并表现最多的含义与韵味，以有限浓缩无限，才是汉语诗歌的正根。
　　简约不仅指词语的浅近，还应该包括字数的节省，言简意赅，辞约意丰。简约的技巧把握，主要在于语言的精炼性，尽量少用连接词，重暗示，忌说明，言有尽而意无穷。做到意象丰富而紧密，线条、色彩层叠而疏密浓淡入微，这该是诗歌简约的根性。
　　在此，举个例子，供大家品赏，女诗人夏宇有一首精短的情诗《甜蜜的复仇》：“把你的影子加点盐/腌起来/风干//老的时候/下酒。”只短短五行，十九个字，就已写尽了岁月的沧桑，爱之永恒和深切。
　　越纯粹的东西越简洁，诗歌要兼顾形式和意义。在此次诗赛中，也不乏轻灵优美的小诗，但要轻的是一只飞鸟，而非一片羽毛。鸟之空灵，却熔铸了生命的关照，温暖明丽，在妙姿神韵中彰显禅境、意蕴、遐思、内涵、审美、领悟和昭示等等，否则就流于单薄、肤浅、空泛、乏味了，读后如风过无痕。
　　通过这次短诗赛，希望能够引起大家对小诗创作的重视，提高语言的控制能力和表现强度，或可改善某些困境，弥补某些缺陷，增强我们的诗体意识，摈弃诗歌写作中常常出现的散漫无羁，忽略根本，为越写越长越松散的诗歌“消肿、减肥”，（尤其这个“快餐式”的时代，冗长的诗歌会令读者失去阅读的兴趣和耐心以及产生审美疲劳）重新找回并确立诗歌语言简约、精微的本质特性。
　　汉字是珠贝，诗思是水晶。以珠贝的精巧、润泽的肌理结合水晶的自主、自明的光芒营造出独特的艺术魅力，进而增进与扩展现代人对诗歌的关注与热爱。
　　
　　《画写物外形，诗传画中意》
　　
　　在画的空白处，由画家本人或他人题上一首诗。诗的内容或抒发作者的情感，或对艺术的见解，或观画面的咏叹，或描绘画面具象，再现画镜，将绘画美转化成诗意美。如清•方薰所云“高情逸思，画之不足，题以发之”。也就是对绘画题材、内容、思想的评定，对作品格调的艺术总结。可即兴，可酝酿；可自题，可他题；可题画内，可题画外。这种题在画上的诗，就叫题画诗。读画的人站在诗搭建的桥梁上，细品着画境之美、词艺之美，以及诗画融会、渗透后形成的独特审美效果。题画诗的特点：以诗为魂、以书为骨，以唐宋的遗风为神韵。展现淡而雅、静而远的艺术境界。其中，诗词及书法对于题画诗的涵养与高度，起着决定性的作用。
　　俗话说：“诗工而书，书工而画，以诗为魂”。无诗的书法，脱不了匠气与俗浮，无诗的画亦然。只有书中有诗，诗中有画，画中有诗，使诗、书、画三者之美，极为巧妙地结合起来，相互映发、丰富多姿，既是画龙点睛，又是锦上添花。
　　诗画联姻，画不能尽其意，藉诗以名其意；诗不能着其形，泼墨以绘其形。诗画互相补充、互相阐述。使其产生一种诗绘并工、附丽成观的艺术效果。可谓妙合而凝，契合无间。在画面上题诗，于诗意中作画。诗是才子，画是佳人，诗情画意，“两情相悦，两情相吸”互映成趣。犹如爱情不老，这是一种独特的相互托衬融合的艺术形式，一直传承至今。
　　任何一种艺术，都有着各自独特的法理，题诗画也不例外，清代孔衍拭在《石村画诀》中说：“画上题款诗，各有定位，非可冒昧，盖补画之空处也。如左有高山右边宜虚，款诗即在右。右边亦然，不可侵画位”。
　　画家为题画诗创作所发生的美感，也在探索与研究之中。有的在一幅画画成之后，再考虑诗句的长短与题诗位置的搭配；有的则在一幅画的落笔前，就将诗的位置同时酝酿在内；也有的为诗预先留出空白；还有的读诗后，“索骥绘图”。于是，中国画即披上了浓厚的文学色彩，诗中有画、画中有诗，也成了赏析中国画的一种创作追求或审美理想，不仅能起到开阔视野的作用，而且能起到丰富画面的意念和启发观赏中国画的想象作用。
　　“竹外桃花三两枝，春江水暖鸭先知。蒌蒿满地芦芽短，正是河豚欲上时。”这是一首妇孺皆知的名诗，但很少有人知道，此为苏轼题好友慧崇和尚画《春江晓景》诗。细致逼真地抓住大自然中的节气变化特点，生动形象地勾出一幅江南早春的秀丽景色。如今慧崇的画已不传，而这首题画诗却流传千古，成为脍炙人口的艺术品。
　　题画诗得之不易，欲工尤难，贵在诗传画外意，借画咏志，使画面更具生命力。如唐寅的代表作《纨扇仕女图》题：“秋来纨扇合收藏，何事佳人重感伤，请把无情仔细看，大都谁不逐炎凉”。如实坦白与自况，足以自警、警人。
　　这次比赛的程序是：先有小诗，后绘制相契合的画面。也就是要求作者在诗歌的内在肌理，水晶性的造型上，领会诗歌的立意、思想、意境、画面等，根据诗歌内容的个体所感、所思、所悟而作画配图，可取整首诗意作画，也可取一句、数句诗意作画，将诗意、诗境转化为画意、画镜，绘成一幅富有意蕴的诗画作品。使诗情增添画意，画意映衬诗境，珠联璧合，相得益彰。叫诗意画。
　　那么这类诗在写作上，相对就有了很大的局限性。也就是诗歌需要具备基本的一个条件：能让读者将诗歌绘成画。
　　让读者将诗歌绘成画。就需要诗歌作者在诗歌语言、意境、构思等方面，着重注意视角、色彩、线条、场景、节奏、韵律、形态等方面合理的构架和布局，让画者运用“通感”的方法，布景构图。比如诗歌的：（1）轻灵性——简括、冲淡、空疏，重形轻神；（2）含蓄性——少铺陈，不繁冗，重妙语，重兴味，语近意邈；（3）意境美——尺纸之中、视野宽广，取象不惑、隐迹立形，超越具体，进入无限（4）画面美——如飞如动，高低晕淡，品物浅深，文采自然，气韵生动。其次更要注意诗歌语言的形象化，摈弃抽象与概念化，有情有景，情可感，景可观，神形相依、彼此交融，吸引画者“按诗索图”。或恬静肃穆，深沉厚重；或烟霞缥缈，新颖奇特；或古朴典雅，空灵神秘。
　　
　　写到此本该停笔，但仍感到意犹未尽，不如，摘几首名人题画诗：赏趣。既陶冶性情，又愉悦身心。
　　宋诗人杨娃《题马远画梅.绿萼玉蝶》：“浑如冷蝶宿花房，拥抱檀心忆旧香，开到寒梢尤可爱，此般必是汉宫妆。”未曾相见尽关情，将画更衬得多了几分冷香。
　　宋女诗人曹希蕴，题《墨竹诗》：“记得小轩岑寂夜，月移疏影上东墙。”极为工整，不漏声色地传达出墨竹画的艺术效果，再现竹画的神采。
　　元诗人王冕自题《墨梅》诗：“吾家池砚池头树，个个花开淡墨痕，不要人夸颜色好，只留清气满乾坤”。诗人淡泊名利、一身正气自见。
　　元书画家管道升尝画墨竹及设色图进奉，得赐内府上尊酒。皇太后予以很高的礼遇，命坐赐食，奉旨画梅，并命题诗其上“雪后琼枝懒，雪中玉蕊寒，前村留不得，移入月中看”。太后称羡不已。另有《写诗寄外君》：“夫君去日竹新栽，竹子成林夫未来，容貌一衰难再好，不如花落又花开”。
　　爱新觉罗氏安郡王岳乐女孙，幼承家学，工写花卉，其《题自画牡丹》：“风风雨雨惜春残，为爱名花倚画栏，淡著胭脂浓著墨，一枝图向画中看。”
　　明画家李士达描绘三个驼背老者在一起的《三陀图》，经三人题诗，其意各异。钱允治诗：“张陀提盒去探亲，李陀遇见问原因，赵陀拍手哈哈笑，世人原来无直人。”陆士仁题：“可怜同病转相亲，一笑风前薄世因，莫道此翁无傲骨，素心清澈胜他人。”文谦光诗：“形模相肖更相亲，会聚三陀似有因，却羡渊明思归早，世途只见折腰人。”
　　明人徐渭在传世名作《墨葡萄》中自题：“笔底明珠无人买，闲抛闲掷野藤中”。伟岸不羁的气息中弥漫着一种怀才不遇的无奈和对人生的感慨。
　　北宋著名花卉画家赵昌画了一幅《寒菊》，文豪苏东坡为其作了一首题画诗“轻肌弱骨散幽葩，真是青裙两髻丫。便有佳名配黄菊，应缘霜后苦无花。”苏东坡在诗中通过对菊花的外形、色泽和品质的赞颂，使赵昌所画的《寒菊》有了更深一层的内涵。
　　清代画家黄媛介善山水，工诗词，其《为渔洋山人画山水》云：“懒登小阁望青山，愧我年来学闭关，淡墨遥传缥缈意，孤峰只在有无间”。
　　清代画家金农独爱画梅，他的一幅《梅花》，画中寒梅疏影横斜，古干虬枝，欺霜傲雪，他自题诗云“东邻满座管弦闹，西舍终朝车马喧。只有老夫贪午睡，梅花开后不开门。”画家借梅抒情，以梅花独立寒霜的风姿，来抒发自己不随流俗的高洁志向，从而增强了情景相辉的艺术效果。
　　清代扬州画派李鲜画的《鸡冠花》，从其画面看，并无独特之处，可他却在画中题诗：“笑君博带峨冠立，俯首秋风不肯啼。”借助诗的想象，给画面注入了活力，不仅使鸡冠花人格化了，还隐喻了画家孤芳自赏的心境，达到了情景交融的艺术境界。
　　清代扬州八怪之一的郑板桥，善画竹。他在一幅《墨竹图》中题诗云：“衙宅卧厅萧萧竹，疑是民间疾苦声。些小吾曹州县吏，一枝一叶总关情。”题画诗不仅丰富了画面的意境，也倾吐了画家对群众生活关心，读来感人至深。清郑板桥在自家画册页上题：“国破家亡鬓总皤，一囊诗画作头陀，横涂竖抹千千幅，墨点无多泪点多。”该诗道出自己作为一个文人，不满清朝社会现实，但又不愿攀贵媚上，于是借题发挥，内涵深刻，令人咀味无穷。
　　古今画师的题画诗摇曳多姿，嬉笑怒骂，亦庄亦谐皆成趣。诗词和绘画作为民族艺术的两种形式，珠联璧合，相得益彰，构成中华传统文化的独特风景！
　　
　　这里提到郑板桥，令此文不得不偏离主题了，索性多介绍几句这位清代诗、书、画“三绝”的著名诗人和艺术家。
　　郑板桥工诗、词，善书、画。其诗词不屑作熟语。其绘画长于花卉木石，而尤以体貌疏朗、风格劲健的兰、竹为最。其所画之兰，多为山野之兰。兰叶之妙，以重墨草书之笔，尽写兰之烂漫天性。其所画之竹，以草书之中坚长撇法运之，收到了多不乱，少不疏，脱尽时俗，秀劲绝伦的艺术效果。其书法别具一格，以隶、楷参半，而自称其为“六分半书”。其为人疏放不羁，以进士选县令，日事诗酒，及调潍县，因岁饥为民请赈，忤大吏，罢归，居扬州，恣情山水，与骚人、野衲作醉乡游。
　　竹，劲节常青，宁折不屈。人们常以竹为题，或吟咏赋诗，或泼墨作画。借物言志，咏物抒情。郑板桥尤爱竹，一生画竹最多，其所画之竹气韵生动，形神兼备，意在笔先，趣在画外，葳蕤葱茏，兀傲挺拔；其咏竹之诗极赞竹之种种美德，意境清新高远。其中，尤以郑板桥的竹题画诗弥为珍贵，被后人视之为绝世之精品。
　　郑板桥的竹题画诗之所以为世人所珍视，除了因其作品具有很高的艺术鉴赏价值之外，关键还在于他的作品蕴含了非常深刻的哲理和丰富的感情。譬如：他在任山东潍县知县时，曾画竹并题诗呈上司包中丞。其诗曰：“衙斋卧听萧萧竹，疑是民间疾苦声，些小吾曹州县吏，一枝一叶总关情”。其忧国忧民之情思，和对上司直言不讳的劝讽，跃然纸上。即使柔弱的竹枝，由于郑板桥对它寄予深情，也变得胜于高柯古木，敢斗秋风，能傲霜雪：“秋风昨夜渡潇湘，触石穿林惯作狂，唯有竹枝浑不怕，挺然相斗一千场。”这些诗句哪里是在写竹？这分明是在表达作者所祟尚的坚韧不拔的顽强斗志。千姿百态，随风飘曳的竹枝，在郑板桥的笔下，却不是随风变幻的“风派”，而是“咬定青山不放松，立根原在破岩中，千磨万击还坚劲，任尔东南西北风”。这种对竹赋以人格化的描写，不仅是作者本人内心世界的写照，同时也是对世俗之徒的辛辣嘲讽。郑板桥的竹题画诗，不仅寓意深邃，而且涉猎的范围广博。譬如：他为了寄希望于未来和新人，曾写下了这样的诗句：“新竹高于旧竹枝，全凭老干为扶持，明年再有新生者，十万龙孙绕凤池”。新竹冲天而起，全靠老竹的扶持，在老竹的扶持下，将有无数的新竹长满池塘的周围。如此富有深刻内含的诗句，的确发人深省、令人玩味。郑板桥一生酷爱写竹、画竹。他曾以诗自诩：“我有胸中十万竿，一时飞作淋漓墨，为凤为龙上九天，染遍云霞看新绿”。这是何等的气势，何等的胸怀！”（郑板桥的资料摘自网络）

　　当今的诗坛画坛，可谓进入了“百花争艳，百家争鸣”多姿多彩的时代。而另一方面，也呈现出了“鱼目混杂，鱼龙俱下”的混乱局面。人生的体验、启悟、哲思，以诗歌、画意的形式来表现传承，因此有了“文如其人”、“画亦有然”的本质灵魂性情的体现。清代诗人王士禛曾讲过“予尝谓诗文书画皆以人重”，诗者画者，要怀有一颗“平常心”。“平常心”可以令人“入静”，免于“浮躁”。越是变化最剧烈的时代，越要保持住自我的存在，为诗作画如此，为人行事亦如此。